El Dry Martini rico en historias y leyendas es uno de los cócteles más bebidos en el mundo. Originalmente hecho con gin, vermouth seco y decorado con una aceituna o un twist de limón, ha dado lugar a diferentes versiones sin por ello perder la magia que lo caracteriza. En esta nota, recorremos a partir del cine, distintas maneras de ver y disfrutar un cóctel clásico y vigente

James Bond: elegancia y estilo

A lo largo de su historia, el cine ha representado diversas escenas en las que la gastronomía cumple un papel central. Existen una gran cantidad de películas que se enfocan en el tema de comer y beber. Tanto, que en la actualidad se llevan a cabo festivales que unen el cine y la cocina (como el Cinegourland, encuentro que ya va por su IV edición y en 2010 se hizo en Bilbao, o el festival Film & Cook, que se realizaó en marzo en Barcelona). Incluso, hay quienes hablan de un subgénero: el cine gastronómico. Pero todo tiene un inicio, así que en estas líneas queremos recordar dos breves fragmentos de los pioneros hermanos Lumière que, quizás sin saberlo, fueron también pioneros en el arte del cine gastronómico.

El primer desayuno.

La cámara de Louis Lumière registra durante cuarenta segundos el desayuno de su hermano, que junto a su mujer y su hijo comparten esta primera comida en el jardín de su casa. Un solo plano basta no sólo para probar el equipo con el que luego filmará la llegada del tren a la estación, sino también para registrar este primer acercamiento del bebé a la mesa familiar. Cuarenta segundos de intimidad. Cuarenta segundos que muestran la dedicación y el amor de una pareja que alimenta a su pequeño hijo.

La escena expone ese acto socializador del comer, ese intercambio de símbolos y códigos que vuelve al encuentro en un evento familiar. Tal como plantea el sociólogo alemán Georg Simmel sobre la comida: “anuda al exclusivo egoísmo del comer una frecuencia del estar-juntos, una costumbre del  estar-unidos (…)”. En ese encuentro, el hombre supera el mero naturalismo del comer”.

Así, estas primeras imágenes en celuloide son también el comienzo del cine gastronómico. La esencia de los amantes de la buena mesa se expresa como pocas veces en este pequeño gourmet. Lo vemos probar y tomar los alimentos que le dan sus padres con una curiosidad y alegría que conmueve. Al fin y al cabo, estas dos cualidades constituyen la condición de todo gourmet.

De copas y amigos.

La comida y la bebida constituyen un aspecto importante en la mayoría de las relaciones sociales. Por eso los Lumière filmaron también otra escena en la que capturan la magia del compartir, en este caso unas copas. En esta oportunidad, se puede ver a tres caballeros jugando a las cartas en un bar. Aquí, la comunión esta signada por una copas compartidas que expresan camaradería. En el cine, como en la vida, el valor simbólico de las copas entre amigos ha sido utilizado para sellar pactos, acuerdos, delitos, amores, divorcios y mucho más. El brindis final de esta película transmite el sentido de pertenencia, la complicidad  y la celebración por el encuentro.

Estas escenas forman parte de un conjunto de cintas exhibidas por los hermanos Lumière el  28 de diciembre de 1895 en el Salón Indien del Grand Café, París. En esta proyección también pudieron verse: la célebre “Salida de la fábrica”, la “Llegada de un tren a la estación de la Ciotat” y “El regador regado”.  Así comenzaba el largo camino del cine y también, de su relación con la gastronomía.

[1] Texto publicado en el suplemento Tiempo de Cocina de Tiempo Argentino,  el 26 de Febrero de 2011.

En numerosas oportunidades, el cine ha representado tragos significativos y especiales, y en tanto memoria atesora en sus relatos copas inolvidables que forman parte de su historia y de la nuestra.

“Tragos en el Cine”  propone un breve recorrido por  estos cocktails terminando cada encuentro con trucos prácticos y sencillos para  que los asistentes puedan preparar y degustar “aquellas grandes copas cinemtográficas”

Todo artefacto se inscribe en un relato, en un modo de ser, dentro de una cosmovisión. Para comprender sus alcances es vital reconstruir el tejido de significación en el que se encuentra inmerso. Un electrodoméstico, tomemos por caso una licuadora, poco puede decirnos por sí solo. En cambio, si ingresamos en ese universo podremos vivir esas innovaciones desde adentro, en sus tiempos y sentidos. Para comprender y analizar el impacto que tuvieron los artefactos de cocina en las prácticas culinarias modernas conviene retrotraernos a su idea fundante, que surge con la modernidad y adquiere un valor capital a principios del siglo XX: la promesa del confort.
El adjetivo confortable define un estado de bien estar material. Así mismo cuando se dice que un objeto es cómodo se está diciendo que el mismo es conveniente, fácil, y sobre todo útil. El confort, idea moderna y burguesa, es el atributo que transforma una casa en un hogar. Un espacio cálido y feliz que oficia como una suerte de refugio en el que los integrantes del clan familiar se sienten a gusto y protegidos de las penurias y dificultades de la vida industrial. En ese contexto los electrodomésticos ocupan un papel capital. Esa es precisamente su promesa: agilizar y facilitar la vida doméstica y el tiempo de ocio en el hogar.
Para adentrarnos en la importancia que cobraba el confort en los años 50 conviene traer aquí un curioso film francés de la época: Mi Tío (Mon oncle). Esta película, dirigida e interpretada por Jacques Tati, desarrolla una curiosa y ácida sátira sobre la vida moderna y los problemas que generaban en aquella época los primeros electrodomésticos. Así, desde la ironía, retrata la obsesión de la acomodada familia Arpel por el confort de su hogar. Un espacio muy moderno, en el que todos los ambientes se comunican pero paradójicamente, debido a los ruidos constantes de los diversos electrodomésticos, sus habitantes viven en la incomunicación. Durante todo el relato, la dueña de casa vive para limpiar puntillosamente su hogar y se lo enseña con orgullo a cada una de sus visitas. Así vemos como esta mujer, al borde del absurdo, resalta las cualidades de su casa y muestra su cocina como: “El lugar donde mando yo”. Un hogar en el que los electrodomésticos pierden funcionalidad y en vez de facilitar la vida, la complican.
Si tuviésemos que elegir la época dorada de los artefactos domésticos indudablemente quedaría asociada al periodo de posguerra en Estados Unidos. El sueño americano se sustenta en la producción industrial de bienes duraderos y en el trabajo del buen hombre, pero también en la figura del ama de casa que sostiene ese hogar feliz. En una época previa a la liberación femenina y aún profundamente machista, la mujer se ocupaba casi exclusivamente de las tareas del hogar. A ella apelaban los viejos vendedores ambulantes de electrodomésticos. La idea era facilitar esas tareas que en ese entonces no eran reconocidas como un trabajo. Recurriendo nuevamente al cine, conviene traer aquí a “The prize winner of Defiance, Ohio”. Esta película, basada en la historia real de Evelyn Ryan, retrata los valores morales que guiaban el espíritu de los años 50.

Evelyn Ryan (Julianne Moore), una madre de doce hijos con un marido alcohólico, lucha por sacar adelante a su familia a partir de concursos de rimas para jingles publicitarios durante las décadas del 50 y el 60. La tenaz mujer gana, entre otros premios, un gran congelador, una trituradora de hielo, una lavadora y un día de compras en una tienda de comestibles. En esta agridulce comedia dramática los artefactos y utensilios domésticos que la mujer obtiene una y otra vez son representados en todo su esplendor y configuran la erótica del confort en sus múltiples acepciones. Así, a partir de los coloridos jingles que escribe Ryan vemos desfilar: licuadoras, procesadoras, tostadoras y heladeras, como verdaderos objetos de deseo.
El valor simbólico de los electrodomésticos excede ampliamente sus funciones prácticas. La historia de estos artefactos expresa los sueños más profundos del hombre moderno. Ahora habrá que estar atentos a los relatos de los juguetes tecnológicos del siglo XXI

“Big Night“, cuenta la historia de dos hermanos que apuestan su última carta en un restaurante Italiano en Estados Unidos en la década de los 50.  El relato ofrece una mirada agridulce sobre el sueño americano y la gastronomía de aquellos años.[1]

En los años 50 Estados Unidos, fortalecida como potencia luego de la Segunda Guerra Mundial, vivía los llamados “años dorados” y el desarrollo económico era  acompañado por un consumo creciente. En ese contexto de ocio y revolución cultural, Big Night retrata los avatares de dos hermanos inmigrantes italianos que luchan por llevar adelante un pequeño  restaurante. Durante todo el film se puede ver como Secondo (Stanley Tucci)  manager y organizador del restaurante, seducido por ese clima festivo y optimista, intenta integrarse a la idiosincrasia de la sociedad  estadounidense para reclamar su porción de sueño americano. En cambio su hermano Primo (Tony Shalhoub), un excelente cocinero, aparece como un defensor de la cocina tradicional italiana que se resiste a las luces, el ruido y el show business que proponen los exitosos restaurantes de aquella época.

Nada parece ser fácil para  estos dos compañeros que intentan abrirse camino en un país que no pueden comprender del todo. Los platos del Chef Primo surgen como gestos creativos de un hombre que desea comunicar su historia y costumbres a los comensales. Obras de una artista que busca entablar un dialogo sin palabras con el otro. La problemática del inmigrante y la barrera idiomática se manifiestan en las diferencias culinarias entre Primo y los comensales del restaurante.

La concepción gastronómica que defiende el entrañable chef italiano es maravillosa y cumple con todos los condimentos que hoy en día ofrece la alta cocina, sin embargo en aquellos años, frente al fausto norteamericano representaba lo retro y lo anticuado. Así lo entiende, Pascal (Ian Holm) ese hombre de negocios y dueño del exitoso restaurante vecino que a modo de consejo le dice a Secondo: “He aprendido que un sujeto cuando sale de la oficina luego de un arduo día de trabajo no quiere en el plato algo que le haga pensar: ¿Qué es esto? Quiere un bife, mmm esto es un bife: soy feliz”. El secreto del éxito está en darle a la gente lo que la gente quiera y en condimentarlo con las adecuadas relaciones públicas. Luz, cámara y circo: la calidad de la comida pasa a un segundo plano.

Esta propuesta que Primo califica como: “una violación a la gastronomía”, es la idea hegemónica de los años 50 en Estados Unidos. La exitosa oferta gourmet actual, basada en la calidad de los productos, la sabiduría del cocinero y las enseñazas culinarias al comensal en pos de educar su paladar, que proponía Primo en esos tiempos estaba destinada al fracaso. Poco podía hacer un cuidado risotto en la tierra de las malteadas y  las hamburguesas. El comensal no estaba dispuesto a esperar un plato, como tampoco el banco disponía de tiempo para un negocio que estaba condenado desde sus inicios. Luego de la posguerra y con el recuerdo palpable de la crisis del 30, esa sociedad sólo quería divertirse a lo grande pero fácil y rápido. Todavía faltaban dos décadas para la revolución de la Nouvelle Cuisine y el culto a la sencillez.        Eran los años del exceso y el kitch: del piso damero, los colores vivos, las banquetas de vinilo y las comidas sustanciosas. En ese clima barroco, ruidoso y desmesurado no había espacio para el sencillo restaurante de Primo y Secondo. La tierra de las oportunidades tenía sus reglas y el sueño americano un precio.

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Título original: Big Night

Directores: Campbell Scott, Stanley Tucci

Nacionalidad: estadounidense

Año: 1996

Guión: Joseph Tropiano

Producción: Jonathan Filley

“El sabor de la vida “, propone un conmovedor relato sobre la cocina, el ser humano y los procesos identitarios. El director Tassos Bouluetis combina especias con cuestiones existencialistas y ofrece una tierna historia que invita a la reflexión.[1]

Fanis Iakovides (George Corraface), un exitoso profesor griego de astronomía de una universidad de Atenas, recibe una inesperada noticia  que inmediatamente lo traslada a su infancia y a su tierra natal en Estambul. Su querido abuelo Vassalis (Tassos Bandis) viajará a Grecia. El anuncio de una visita que Fanis espera desde su niñez es el comienzo del viaje interno que el protagonista realiza durante todo el film. La sal de la vida intercala el presente de este hombre melancólico con sucesivos flashbacks a su pasado en un relato sencillo y profundo al mismo tiempo.

Los aperitivos. El primer salto al pasado nos muestra la relación entre el niño Fanis (Markos Osse) y su abuelo que, en una vieja tienda de especias, le enseña los secretos de la cocina y la vida. El anciano asimila el universo y el mundo culinario.”El abuelo decía que la palabra gastrónomo esconde dentro la palabra astrónomo” nos cuenta en voz en off el protagonista del film. Las sabias lecciones de Vassalis se desenvuelven en juegos lingüísticos y metáforas que cautivan la mirada y el paladar del inquieto Fanis. El sentido del cosmos se expresa en especias.La pimienta que calienta y quema se identifica con el sol que todo lo ve, por eso combina muy bien con todas las comidas. La canela, como Venus, evoca la dulzura y amargura que entraña todo amor. La sal casi invisible a los ojos se constituye en la esencia de la comida y desde allí en el fundamento de la vida. El aprendiz escucha y piensa, saborea y aprehende. Pronto, comenzará a transmitirle estos conocimientos a Saime (Basak Koklukaya), su primer amor. Una dulce niña que baila para él. Este mundo idílico se desarrolla en  la década del sesenta en medio de la creciente tensión entre Turquía y Grecia.

El plato principal. Los conflictos entre griegos y turcos estallan e irrumpen en la vida de Fanis. La familia será deportada y no hay nada  que el abuelo, que permanecerá en Estambul, pueda hacer contra ello. La infancia ha terminado, Fanis intentará vanamente escapar, pero al comprender que esto es imposible se refugia en el cosmos de aromas y sabores que ha aprendido. Se ha dicho que, en general, en las familias de inmigrantes los niños se adaptan más rápidamente que los adultos y facilitan la integración del núcleo familiar a la nueva cultura. Este no es el caso de Fanis que, cocinado para evocar a su abuelo, a su amor y para alegrar a su familia: forja su propia identidad. Así vemos como el aprendiz poco a poco va creciendo y sobrevive al desarraigo de la mano de las especias de su tierra.

Los postres. Este viaje simbólico y metafórico es acompañado por la vuelta real de Fanis a su tierra natal. Al enterarse que su abuelo no vendrá y se encuentra en coma en Grecia, el protagonista del film decide volver. El relato nos muestra que, además, en ese viaje se esconde el deseo de hallar a su viejo amor. Sin embargo, se podría pensar que lo sucedido con su abuelo y el recuerdo de un amor son el impulso que necesitaba Fanis para enfrentar una ausencia, una falta que sentía y no podía ver.

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Título original: Politiki kouzina

Director: Tassos Bouluetis

Nacionalidad: Grecia / Turquía

Año: 2003

Guión: Fabrizio Donvito

Producción: Lilly Papadopoulou y Artemis Skouloudi.

[1] Artículo publicado en Gastronómica de México (No.29)

En  su primer largometraje de ficción “Estómago “, el director brasileño Marcos Jorge elabora un interesante  plato agridulce que combina las relaciones de poder, sexo y gastronomía salpimentando la historia con la dosis justa de humor negro.[1]

“Estomago” nos cuenta  la historia  de Raimundo Nonato (Joao Miguel)    en dos tiempos y escenarios distintos. Por un lado, vemos llegar a este campesino  hambriento  a la ciudad en  busca de un empleo que le permita mejorar su calidad de vida e instalarse en la gran ciudad. En este proceso descubre sus habilidades para la cocina y de la mano de su maestro Giovanni (Carlo Briani) – dueño de un restaurante italiano- logra el  tan mentado ascenso social. En paralelo, el film nos muestra un tiempo después a Raimundo ascendiendo en la escala de poder carcelaria gracias a su talento gastronómico. En un mundo hastiado y desabrido en el que los sujetos se encuentran ávidos de experiencias conmovedoras, el “saber hacer” de Nonato adquiere un valor  inconmensurable. Más allá de las circunstancias que conducen a este personaje a la cárcel, que serán reveladas para el espectador al final del film, estos universos, en principio,  tan ajenos y disímiles se unen y se cruzan en la cocina de un hombre que seduce, domina y conquista a partir de los aromas y sabores que ofrece a sus comensales.

En la media en que el ingenuo pero decidido Nonato, incorpora al pie de la letra las leyes de la cocina italiana gourmet que predica su mentor, alcanza paso a paso cada uno de los objetivos que se propone: una vivienda, respeto, nuevos amigos, y el amor de una golosa prostituta Iria (Fabiola Nascimento) a  la que conquista con sus habilidades culinarias.

Al mismo tiempo que descubre los secretos del mundo culinario, Raimundo comprende el funcionamiento de las relaciones sociales y adquiere las herramientas necesarias para poder sobrevivir en un mundo hostil. En este punto las recetas funcionan como un manual de vida que marca un camino de progreso y crecimiento. Así, simultáneamente se puede ver como el protagonista se afianza en una ciudad ajena a partir del uso estricto de las enseñanzas de su maestro  y las complicaciones que encuentra en  sus intentos por trasladar estas normas a la cárcel.

Entre estos cómicos contratiempos del aprendiz de gourmet, se destacan las dificultades que encuentra para defender las virtudes del gorgonzola frente al  jefe de su celda o la memorable la escena que ubica al personaje utilizando los descriptores característicos del sommelier para presentar un vino en un banquete carcelario. El absurdo en el que se ve envuelto Nonato a partir de su larga explicación y el enojo de sus convictos comensales al escuchar que el vino ofrecido  puede  oler a “ perro mojado” no tiene desperdicio e invita a pensar los excesos en los que, en ocasiones, cae el discurso gourmet.

Esta deliciosa sátira permite reflexionar, analizar y por momentos cuestionar las normas explicitas e implícitas del mundo gastronómico actual.

DATA :

Título original: Estômago.

Director: Marcos Jorge

Nacionalidad: Brasil, Italia

Año: 2007

Guión: Fabrizio Donvito

Producción: Marco Cohen, Cláudia de Natividade y Fabrizio Donvito

Intérpretes::Joâo Miguel, Fabiula Nascimento, Babu Santana, Carlo Briani, Zeca Cenovicz, Paulo Miklos, Jean Pierre Noher y Andrea Fumagalli

La provocadora comedia del director español Joaquín Oristrell ofrece una interesante mirada sobre la cocina, la vida y la libertad. Dieta mediterránea es un plato moderno y tradicional que desafía las convenciones sociales

Por Juan Pablo Cantini.

La entrañable y rebelde Sofía (Olivia Molina) se cría entre los fuegos de la cocina de un restaurante que tienen sus padres en pequeño pueblo español. Impulsiva, fogosa y provocadora emprende su carrera como cocinera desde muy temprana edad. Nace para dedicarse las artes culinarias, desde muy joven sabe que quiere ser: la mejor cocinera. Realiza esta búsqueda junto a dos amores: el honesto Toni (Paco León)  que será su marido y el padre de sus hijos y su amante Frank (Alfonso Bassave) un solitario maitre que descubre el talento de la protagonista y se propone llevarla a lo más alto del mundo gastronómico.

Juntos, los tres, configuran un picante trío que desafía las convenciones del lugar. Los avatares de este triangulo amoroso condimentan con un pizca de polémica la búsqueda por el sabor perfecto. Todo se complementa, las preguntas que desprenden aquí son: ¿Hasta donde se puede innovar? ¿Cómo emprender un viaje, en pos de la revolución culinaria sin perderse en el camino?             Dos historias. Una, en el film vemos que, este trío atraviesa una crisis y no sabe como continuar. En una sociedad basada en el núcleo familiar y la estructura del matrimonio, parece no haber lugar para ellos. La otra, en la película se ve como Sofía, luego de atravesar todas las dificultades para llegar a ser la mejor, se encuentra desorientada en su propio universo. Ya en lo más alto de las artes culinarias, sufre insomnio  y  con el objeto de revolucionar aún más la gastronomía, pasa largas horas espiando compulsivamente la cocina de El Bulli  y EL Celler de Can Roca. El deseo deviene en obsesión. Su cocina se vuelve un laboratorio. Entierra una pieza de carne buscando una textura diferente. ¿Hasta donde se puede innovar? Nada la conforma, en medio de esa crisis pierde su horizonte. La vemos, por primera vez en una actitud desagradable, maltratando a su equipo de cocina. “Las zanahorias no están al dente, el caramelo no cruje “.Ya nada tiene sabor. Tal como le dice Frank, se encuentra perdida buscando algo que seguramente no existe.

Sofía se recupera, recuerda que el verdadero ingrediente novedoso está en la pasión. Ella que ha pasado de la tradicional tortilla de patatas que cocinaba en  el restaurante de sus padres al  foie gras con frutas caramelizadas en hinojo. Ella que combina lo tradicional y lo revolucionario tanto en su cocina como en su vida amorosa. Ella  que ha nacido para ser libre y se ha rebelado contra todos los prejuicios descubre que, al fin y  al cabo, el placer esta en la búsqueda.

EL TRAILER

DATA:

Ficha Técnica

Título: Dieta mediterránea

Director: Joaquín Oristrell

País: España

Año: 2009

Género: Comedia

Intérpretes: Olivia Molina, Paco León, Alfonso Bassave, Carmen Balagué, Roberto Álvarez, Jesús Castejón, Dolo Beltrán, Txabi Franquesa, Yolanda García Serrano, Jordi Martínez

Productora: Messidor Films S.L.

ACEITUNEROS

Andaluces de Jaén,
aceituneros altivos,
decidme en el alma: ¿quién,
quién levantó los olivos?

No los levantó la nada,
ni el dinero, ni el señor,
sino la tierra callada,
el trabajo y el sudor.

Unidos al agua pura
y a los planetas unidos,
los tres dieron la hermosura
de los troncos retorcidos.

Levántate, olivo cano,
dijeron al pie del viento.
Y el olivo alzó una mano
poderosa de cimiento.

Andaluces de Jaén,
aceituneros altivos,
decidme en el alma: ¿quién
amamantó los olivos?

Vuestra sangre, vuestra vida,
no la del explotador
que se enriqueció en la herida
generosa del sudor.

No la del terrateniente
que os sepultó en la pobreza,
que os pisoteó la frente,
que os redujo la cabeza.

Árboles que vuestro afán
consagró al centro del día
eran principio de un pan
que sólo el otro comía.

¡Cuántos siglos de aceituna,
los pies y las manos presos,
sol a sol y luna a luna,
pesan sobre vuestros huesos!

Andaluces de Jaén,
aceituneros altivos,
pregunta mi alma: ¿de quién,
de quién son estos olivos?

Jaén, levántate brava
sobre tus piedras lunares,
no vayas a ser esclava
con todos tus olivares.

Dentro de la claridad
del aceite y sus aromas,
indican tu libertad
la libertad de tus lomas.

Miguel Hernández, 1937

Andaluces de Jaén. Por Paco Ibañez.

Andaluces de Jaén. Coral Andres Segovia y Coro Julio Pardo.

“Den Brysomme Mannen“ propone un mirada critica sobre las sociedades de consumo y ofrece un exquisito  y oscuro  relato sobre la vida moderna. El director Jens Lien expone, con ironía y algunos toques surrealistas, el aburrimiento y la desazón que agobian al hombre contemporáneo. El ser humano ha perdido el sabor de la vida y nadie parece notarlo.

El sexo es mecánico y aburrido, las amistades superficiales y el entorno indiferente, frío y casi siniestro. Sin embargo, sólo Andreas (Trond Fausa Aurvaag) parece darse cuenta  que en ese pueblo algo anda mal. El resto de los seres humanos que rodean al protagonista de la película viven con comodidad en un mundo sin sentidos ni sentimientos. Aún más, incluso disfrutan de ese modo de ser en el mundo. Después de todo, el orden y la seguridad se encuentran garantizados  para quién acepte las reglas del juego y no pretenda buscar un más allá del consumo. Así lo expone la mujer del protagonista, Anne Britt, (Petronella Barrer) cuando ante la inminente ruptura de la pareja se muestra indiferente y apenas quitando los ojos del televisor le pide Andreas que se quede hasta el sábado por que ese día esperaban visitas. Esta hermosa mujer que envuelta en la rutina de una vida ¿confortable? decora y redecora la casa nada puede hacer frente al soñador Andreas.

En el comienzo del film, vemos primero cómo Andreas intenta suicidarse y luego cómo llega a ese extraño pueblo. En un principio, su nuevo lugar parece ser prometedor: consigue un gran empleo, su jefe lo trata muy bien y rápidamente conoce a su esposa. Así, todo un combo de felicidad y buenos augurios envuelven a este personaje. Sin embargo, tal cómo el espectador intuye y el protagonista descubrirá poco después, esa aparente felicidad oculta una suerte de resignación. En un entorno consumista, que evoca  las palabras de Bauman para definir las sociedades contemporáneas, los hombres viven anestesiados en búsqueda de la próxima novedad del mercado.

La inminente ruptura se produce cuando Andreas advierte que,en ese mundo surreal, la comida carece de aroma o sabor y  puede beber sin emborracharse. La metáfora se hace carne. Los alimentos insípidos expresan como nunca antes la desabrida  realidad en el que se encuentra inmerso este personaje. En ese instante, el protagonista se rebela contra lo establecido en pos de una vida abierta al devenir. Esa búsqueda de goce, de “gustación” de mundo se manifiesta  en ese aroma que  Andreas percibe detrás de un muro y persigue frenéticamente durante el desenlace del film. Todo se trata de eso: de los aromas y sabores que parecemos haber perdido. No es poco.

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Título original: Den brysomme mannen

Título en español : El inadaptado

Dirección: Jens Lien

Guión: Per Schreiner

Intérpretes: Trond Fausa Aurvaag, Petronella Barker, Per Schaaning, Birgitte Larsen, Johannes Joner, Ellen Horn

Fotografía: John Christian Rosenlund

Orígen: Noruega – Islandia (2006).